Angst (Fear, 1983) Una joya asfixiantemente olvidada.

Llegué a esta película por ser uno de los filmes que ha influído el trabajo del director Gaspar Noé, del que recientemente disfruté de una entrevista que le realizaron los de www.vbs.tv 

Cabe mencionar que Gaspar Noé es uno de mis directores favoritos y disfruté tanto o más que él de "Angst", una película austriaca realizada en 1983. En otros países la película es conocida como "Fear" y con estos títulos uno puede darse idea de lo que se encontrará en la película. La historia de la película es muy sencilla, es un semidocumental que en un principio una voz en off  narra la vida de un Psicópata que desde muy temprana edad ha manifestado conductas sádicas y como consecuencia ha permanecido durante 14 años en la cárcel por sus crímenes. Al mismo tiempo, la voz en off del psicópata narra su vida y el placer que le causa dañar a los demás.

Después de haber cumplido su sentencia, sale de prisión y se dirige sin rumbo a buscar nuevas víctimas para satisfacer sus necesidades sádicas, él sólo quiere disfrutar mientras sus víctimas sufren y mueren. A partir de su salida de la cárcel, el protagonista de la película va narrando todas sus sensaciones y pensamientos que le produce el hecho de que nuevamente cometerá un crimen. Después de un intento fallido por extrangular a una taxista, corre sin rumbo fijo hasta llegar a una casa aparentemente abandonada, en donde habitan una mujer joven, su madre y su hermano que sufre de algún tipo de retraso. Sin mayor reparo, asesina a las tres personas y desea seguir matando a más personas.

Angst es una película fría, impresionante y agobiante desde su historia hasta las actuaciones y las escenas que sin mayores pretensiones logra captar la atención con la crudeza con la que fueron filmadas. Un trabajo espectacular por parte del director Gerald Kargl que parece fue el único mediometraje que dirigió. Una verdadera joya olvidada.

Es mejor no llegar tan profundo...

Como mencioné en la publicación anterior, recién salí victoriosa de una fiebre mortal, misma que se originó por acostarme justamente abajo del aire acondicionado para ver la película que a continuación les platicaré. Esta película ni siquiera me tomé la molestia de buscarla ni nada, la estaban pasando en la tv así que, básicamente tenía cero expectativas de ella y resultó más interesante de lo que había pensado, tanto así que me hizo brincar del susto en repetidas ocasiones. La mentada película es The Descent, se estrenó en el 2005 y es una película que realmente vale la pena ver por varias razones. 

En la actualidad, la mayoría de las películas de terror que se estrenan son remakes, es decir, anteriormente ya se hizo una película igual y que debido a su fama o impacto algún director decide repetir la fórmula 20, 30 o incluso 50 años después pero con la novedad de los efectos especiales o del 3D. Realmente es muy difícil encontrar una película que sea genuina, obviamente no es mi pretensión afirmar que "The Descent" es 100% original, no descarto que el director Neil Marshall quizás haya tomando influencias de otras películas, pero definitivamente no es un remake.

La historia es conocida, un grupo de amigas aficionadas a los deportes extremos deciden hacer un viaje a la montaña después de un suceso trágico que marca sus vidas. Como en todos los grupos, las chicas tienen más afinidad con unas que con otras, pero las protagonistas no es precisamente la amistad lo que las une sino la tragedia, con todo ésto, deciden comenzar su travesía al descender a una cueva inexplorada. Cuando la travesía había parecido llegar a su fin y es momento de regresar a casa, simplemente ya no se puede porque no hay salida. Es cuando comienzan a descender más y más incluso donde nadie ha llegado, muy pronto las vidas de las chicas se verán amenazadas por unos seres que habitan la cueva y que buscan alimentarse de ellas. Cómo huir, hacia dónde correr, dónde esconderse?

La película tiene todo, está muy bien lograda. Para empezar, tiene una historia, la historia de un par de amigas que sufren por la misma tragedia: un hombre. El amor, el rencor y la venganza son los hilos que moverán la amistad que existe entre ellas. Las actuaciones de todas estas chicas también son un punto extra que se la da a la película y los efectos especiales también son sensacionales. A pesar de que hay algunas escenas en donde todo está obscuro, eso no afecta la visión y todo está muy bien logrado. No hay sangre en exceso, así que es una película que puede disfrutarla cualquier persona de cualquier edad. Salvo aquellos que sufren un poco de Claustrofobia, ahí sí la película es en demasía ofuscante. 

En verdad, se las recomiendo mucho. Es una película absolutamente palomera, pero no cualquier película dominguera y palomera, te aseguro que querrás repetir la experiencia de vivir "El Descenso".

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Los hombres detrás del sol.

Cuántas atrocidades ha sufrido el ser humano para justificar los avances de la ciencia. Cuántos hombres, mujeres, niños, lactantes y ancianos han muerto para que el día de hoy gocemos de los beneficios de los avances médicos y tecnológicos. Miles de personas se han convertido en polvo bajo nuestros pies y quizás ni siquiera conocemos sus identidades o quiénes fueron, pero sí podemos asegurar que murieron por órdenes de alguien que estaba seguro justificaría sus muertes.

Reing in blood, un disco que popularizó a la banda Slayer, contiene una canción llamada 'Angel of Death' que alude a Josef Mengele, el famoso médico antisemita que estuvo a cargo de los experimentos utilizando judíos, que se realizaron en los campos de concentración en Auschwitz durante el apogeo del Tercer Reich. 

Es de conocimiento general que las muertes que ocurrieron en estos campos fueron innumerables, los ojos del mundo se colocaron en las consecuencias de la ideología de Adolfo Hitler, pero, de igual manera, en Japón estaban ocurriendo hechos similares en el Escuadrón 731 que tenía como líder al General Ishii en las fuerzas del Ejército Imperial Japonés. Japón y China habían mantenido conflictos durante la segunda guerra mundial, por lo que Japón desarrolló una serie de experimentos para probar armas biológicas y la resistencia del hombre en la guerra que pudiese afectar, alterar o mejorar su supervivencia. Japón tomaba como rehenes a civiles y soldados chinos, desde niños, mujeres o ancianos para realizar experimentos con ellos. Algunos de los experimentos que se realizaban en estas fábricas que conformaban el Escuadrón 731 eran: la resistencia a las altas temperaturas muy similar al 'Congelamiento' que practicaban en Auschwitz, la extracción de órganos sin anestesia, y un sinfín de crímenes más.

Men Behind the Sun, es una película que en 1988 se estrenó con la finalidad de dar a conocer estos crímenes de guerra que ocurrieron durante la segunda guerra mundial. La película es de tipo documental en el que se explica de la manera más cruel y realista los hechos que sucedieron en el Escuadrón 731 con el fin de desarrollar y propagar armas biológicas en contra de los chinos. Este film es por momentos lento, pero tiene un buen desarrollo que te atrapa, los efectos especiales muy reales y podrían confundirse con que la película es Gore aunque está basada en hechos verídicos. Las actuaciones muy creíbles, tan creíbles que hay escenas que casi me obligaron a detener la reproducción de la película, por ejemplo, hay una escena en donde arrojan a un gato en un cuarto lleno de ratas y aproximadamente durante dos minutos se puede ver como el gato trata de sobrevivir a las ratas hasta que éstas terminan devorándolo y otra escena en donde a estas ratas las incendian. Escenas reales en donde se puede ver como asesinan a animales tal como se ha visto en otras películas como 'Holocausto Caníbal' o 'Nekromantik'. Paradójicamente, aunque el director de la película realizó este film crudo y realista con el fin de dar a conocer el lado más obscuro del hombre en contra del mismo hombre, su película contiene violencia en contra de los animales. Creo que ésto es lo más terrible de la película.

Escena de 'Men Behind The Sun'

Men Behind The Sun es una película indispensable para conocer este hecho histórico que acabó con la vida de miles de personas durante la segunda guerra mundial. Quizás no es la forma en cómo debería conocerse la verdad, -me refiero a los litros de sangre que verán en la película- pero estos litros de sangre y los efectos especiales que verán no se comparan con la realidad que es más dura y estremecedora.

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Parte 2

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Maniac (1980)

Debo admitir que esta película ha sido de las más violentas y obscuras que he visto. El guión sonará muy trillado considerando a otras películas, pero lo que destaca a esta película es la brutalidad de las escenas.

Frank Zito es un hombre solitario que vive en un pequeño departamento de algún suburbio de Nueva York; en su pequeño hogar colecciona maniquíes a los que viste con ropas de mujer, pelucas y las cuida como si fuesen personas. Cada noche sale a asesinar a mujeres y la policía ahora lo busca por sus múltiples asesinatos. De cada una de estas mujeres se lleva la vestimenta y el cuero cabelludo para ponérselos a sus maniquíes. Cierto día, Frank visita un parque en el que encuentra a una mujer fotógrafa, la observa detenidamente y se percata que deja olvidado su bolso, por lo que Frank se acerca para ver que había y ahí encuentra una pequeña nota en donde aparece el nombre y dirección de la fotógrafa. Todo parece indicar que Frank ha encontrado a su nueva víctima y días después decide visitarla hasta su casa, sin embargo, Frank se ha puesto su mejor ropa y mantiene una plática amena con la fotógrafa que sin conocerlo lo invita amablemente a pasar a su casa. Frank la invita a comer y por increíble que parezca empieza a nacer una amistad entre ellos. Frank sigue asesinando a más mujeres, pero, ¿qué sentimientos posee Frank que impiden que asesine a la fotógrafa?

Como mencioné al principio, Maniac es una película violenta, las escenas de asesinatos son muy grotescas. No es como la mayoría de las películas que encontrarán en este blog, en donde la violencia puede estar mezclada con comedia, Maniac es una película demasiado brutal y simplemente no puedo encontrar otro adjetivo para describirla. La película fue dirigida por William Lustig en el año de 1980 y aparentemente hay planes de que realize un remake. No dudo que haya buenos directores en la actualidad que quieran dirigir dicho remake, lo difícil será encontrar otro actor que personifique a Frank Zito como lo hizo Joe Spinell.

Bienvenido a Putter's Bluff.

Putter's Bluff es un pequeño pueblo costero al que no conviene visitar; los habitantes del pueblo asesinan salvajemente a cualquier visitante que por mala fortuna pasa por el pueblo, la gran incógnita es por qué lo hacen. Ésto es lo mismo que se pregunta Dan Gillis, el alguacil del pueblo que se ha dado a la tarea de investigar la serie de asesinatos que han ocurrido en el mismo lugar que él habita. Sin embargo, no ha encontrado ni motivos y mucho menos respuestas que aclaren los asesinatos, por lo que acude a Dobbs, un hombre de avanzada de edad que es propietario de la funeraria del pueblo y que además embalsa los cadáveres que el mismo entierra. 

Lo más escalofriante de la historia comienza cuando las personas que fueron asesinadas brutalmente son vistas de nuevo deambulando por el pueblo como si fueran habitantes que han vivido allí por varios años y sin ningún rastro corporal de la brutalidad que sufrieron. El alguacil se encuentra inmerso en la incertidumbre total de no saber a lo que se enfrenta y aunque la verdad poco a poco sale a relucir, él se niega a creerla.

Dead and Buried fue estrenada en 1981, cuando las películas de horror estaban en su pleno apogeo. Fue dirigida por Gary Sherman que de su trayectoria fílmica sobresale Poltergeist III, a pesar de haber comenzado a dirigir a muy temprana edad. Algo importante de esta joya de suspenso y horror es el guión que estuvo en manos del maestro Dan O'Bannon -que desafortunadamente murió en Diciembre del 2009- y que fue el responsable del guión que realizó para la impresionante Alien (Ridley Scott), también participó con John Carpenter en Dark Star y principalmente en el guión y dirección de una de las películas más queridas y apreciadas por mí: The Return of the Living Dead. 

Gary Sherman también contó con la participación de Ronald Shusett que ha sido productor de algunas películas en las que también ha colaborado O'Bannon, y del que sólo me queda por agregar que fue el productor ejecutivo del ya clásico de ciencia ficción Minority Report dirigida por Steven Spielberg y basada en la historia del maestro Philip K. Dick. Recientemente, podemos disfrutar del nuevo film en el que se encuentra involucrado Ronald Shusett que lleva por nombre The Medusa Hour.

Con todos estos antecedentes técnicos con los que cuenta Dead and Buried, pueden estar seguros que esta película es una joya del cine en general que cualquier persona debe disfrutar. Tiene los elementos necesarios para que la disfrutes: excelente dirección por parte de Gary Sherman, el guión realizado por el dúo O' Bannon-Shusett, efectos especiales impresionantes y muy reales sin llegar a ser grotescos pero que cumplen el efecto de impresionar al espectador, escenas que son clásicas y que han influido en películas realizadas posteriormente y como plus, la participación Robert Englund que tres años más tarde se convertiría en el icono del cine llamado Freddy Krueger. Obviamente, tiene algunas fallas técnicas como no haber aprovechado en su totalidad las locaciones en que se desarrolló la película, la iluminación y si nos ponemos muy exigentes encontraremos más que pasan desapercibidas con la excelente historia y actuaciones que tiene Dead and Buried.

Se solicita editor para el Departamento Splatter.

Raramente se encuentran joyas en el genero gore o películas de serie B; hay películas que son terriblemente malas, pero tan malas que llegan a fascinar y hay otras como en el caso de Evil Ed que realmente vale la pena disfrutar si eres fan de este tipo de películas.

La historia de la película transcurre en una empresa donde aparentemente editan películas, por lo que existen varias secciones en donde se editan por géneros de cine, así que la película inicia con una secuencia en donde un editor gore se encuentra en completo caos y acaba con su vida por razones desconocidas hasta el momento. Edward es un hombre tranquilo, metódico y sano que también es editor de algún genero de cine tipo dramático y es llamado para cubrir la vacante del editor gore que falleció. El cambio de departamento que sufre Edward es totalmente radical, sin embargo, el jefe del departamento Splatter (Gore) le pide a Edward que trabaje en una casa editando películas para los clientes más exigentes que piden situaciones realmente ridículas. Edward que jamás había visto películas gore queda asombrado de las escenas que contienen dichas películas y en vez de editar lo que le pidió su jefe hace todo lo contrario quitando las escenas gore. 

Además de Edward, existen otros personas que trabajan en la misma empresa y que se van relacionando con Edward durante el desarrollo de la historia, entre ellos se encuentra un Nick y su novia Mel; Nick es un joven que se encarga de llevarle los rollos de los negativos de las películas a Edward para que los edite y aunque al principio de la película su actuación no tiene mucha relevancia, al final tiene un papel importante. A medida que avanza la historia, podemos observar que Edward va sufriendo una transformación como consecuencia de editar películas gore, por lo que comienza a tener alucinaciones y su vida da un giro de 360 grados. Se convierte en un tipo desordenado, violento, sarcástico y comienza por imitar algunas frases violentas que escucha de las películas que ha editado. Un día llega su jefe a la casa de Edward para revisar el trabajo y se percata que ha quitado todas las escenas gore, entonces lo regaña y Edward lo mata, lo corta en pedazos y lo tira a la basura. Después, asesina a más personas en un hospital y al final...pues bueno, no les diré el final.

Evil Ed es una película de origen sueco que fue dirigida por Anders Jacobsson en 1995, este director ha realizado pocas películas y al parecer en el 2009 presentó su película más reciente llamada 'Insane'. Anders dirigió esta película estupenda, realmente entretenida y con muchas escenas de humor, por lo que la película es una mezcla de horror-comedia-gore. Lo interesante de Evil Ed es que a pesar de ser una película con muy bajo presupuesto, contiene un guión interesante que por momento se pone un poco flojo pero después arremete al espectador con buenas escenas gore. Las actuaciones de la mayoría de los personajes son pésimas a excepción del actor que interpreta a Edward que realmente muestra una considerable capacidad actoral a pesar del tipo de película. La iluminación de la película puede resultar aburrida, sin embargo, tiene buenos ángulos y algunas escenas son muy buenas. Los efectos de sonido están muy cordinados con la películas y al inicio se puede remitir a Hellraiser. Como conclusión, si les gusta este tipo de cine, si realmente lo disfrutan, entonces deberán ver esta joya y no se la pierdan.

Pueden verla completa y con subtítulos en Youtube. Disfrútenla!

The Hills Run Red (David Parker, 2009)

The Hills Run Red (2009) dirigida por David Parker y estelarizada por varios actores prácticamente desconocidos a excepción de Sophie Monk y William Sadler que ha tenido una larga trayectoria como actor de películas pero más en series de televisión.

Esta película realmente es patética, o sea, en verdad se esforzaron por hacer un pésimo trabajo, ni siquiera los realizadores se tomaron la molestia de hacer una película que tuviera algo diferente de las miles de películas dentro del género de horror que ya existen. La historia es sencilla: Tyler es un joven que está muy interesado en una misteriosa película de la que desde su proyección décadas atrás, fue eliminada cualquier copia ya que el contenido era muy ofensivo para las personas. La curiosidad de Tyler por saber que sucedía con esta película lo lleva a realizar un documental para indagar al respecto y encontrar una copia de esta película y así por fin verla y saciar ese morbo que lo alimenta. Tyler tiene una novia que últimamente se ha sentido alejada de su novio ya que le dedica más tiempo a su investigación-documental, por lo que la novia de Tyler encuentra consuelo con su mejor amigo. Un día, Tyler decide empezar su documental y acude a un bar en donde trabaja la hija del director de la película. Clásicas escenas de sexo que nunca deben faltar en películas de este género es lo que encontraremos para darle sazón a la historia de tres pesos, en donde Tyler se folla a Alexa (hija del director) y la involucra para que lo lleve hasta el bosque donde se filmó la película.

Alexa -según- es una stripper drogadicta, por lo que Tyler decide ayudarla en su desintoxicación que lleva a cabo en un motel durante algunos días y que por milagro divino Alexa deja la heroína, el crack y no sé cuántas drogas más. Obviamente, Tyler lo hace para que Alexa se encuentre más lúcida y así pueda darle datos más precisos sobre el paradero de la misteriosa película. Tyler junto con Alexa, novia y amigo toman sus maletas y emprenden el viaje hacia el bosque donde transcurrió la filmación de 'The Hills Run Red', cuando llegan al bosque se encuentran con algunos de las armas que usaron en la película, por lo que Alexa revive recuerdos de su infancia cuando su padre realizaba las escenas. Con todo esto, Alexa siempre mantiene un perfil de víctima que ha superado el trauma infantil de haber sido testigo de las atrocidades que cometió su padre en la película.

En la primera media hora de la película, esta mantiene un buen ritmo, buenas locaciones y los 'flashback' que tiene Alexa para remontarse a su infancia nos muestran las únicas escenas de la misteriosa película. Sin embargo, el film va perdiendo ese ritmo de los primeros minutos porque se empiezan a notar algunos elementos que ya hemos visto en otras películas como el clásico asesino con machete en mano que lleva una máscara y que no emite palabra alguna. Las mismas características de Jason (Viernes 13) pero con nombre de estrella pop 'BabyFace', imitando a LeatherFace (Masacre de Texas). 

La masacre de la película comienza y aunque la película pudo resultar entretenida con escenas medianamente sangrientas, pues el director decidió que podía darle un plus a la película con un giro a la historia que lejos de impactar resultó confuso porque está lleno de incongruencias. Así que la película se convierte en un desastre total y con un final terrible, realmente malo. Si quieren ver las tetas de Sophie Monk, pues esta película es una buena opción para hacerse una paja y así no perder el tiempo con este film patético, aburrido e incongruente.

Carne es carne y el hombre debe comerla.

En esta ocasión les platicaré sobre una película que me ha dejado fascinada y que me atrevería a verla varias veces simplemente porque es espectacular, obviamente, con espectacular me refiero a que la película que a continuación les narraré ha superado por mucho todas mis expectativas y que, además, es una joya dentro del género de horror.

Kevin Connor es un director que dirigió Motel Hell (1980), una película estelarizada por Rory Calhoun que interpreta a Vincent Smith, un granjero que tiene un pequeño motel llamado Hello pero que por fallas técnicas la O ya no funciona y entonces se reduce a Motel Hell. No en vano tal nombre, ya que dentro de este motel suceden cosas muy raras a pesar de aparentar normalidad. Vincent vive con su hermana Ida, ambos mantienen una relación de 'hermanos', dedicándose a la venta de carne ahumada, un producto que ellos mismos fabrican en su granja. Todos los visitantes que llegan a dicho hotel, quieren conocer a los creadores de tan exquisito producto hecho con carne de cerdo y un ingrediente 'especial' que es un pequeño secreto de sus creadores.

Cierto día, una chica llamada Terry y su novio se accidentan conduciendo una moto cerca de Motel Hell, ambos quedan inconscientes y para su fortuna el buen Vincent ha llegado al rescate. Minutos después, Terry despierta después del accidente y se percata que su novio no está junto con ella y que ahora está al cuidado de los hermanos granjeros. Al principio, Terry se muestra renuente de los cuidados que le proporcionan, sin embargo, con el transcurso de los días, ella se siente agradecida particularmente con Vincent y agradece la atención que le han dado y poco a poco olvida el paradero de su novio que aparentemente murió en el accidente y fue enterrado por Vincent en un jardín de la granja. El amor y la buena compañía de los hermanos, hacen que sentimientos de amor surjan de Terry hacia ellos y las cosas transcurren con facilidad y armonía en el hotel. Visitantes llegan al hotel para probar las carnes exquisitas, sin embargo, dichos visitantes ya no regresan a sus casas después de haber estado en Motel Hell. Qué sucede en Motel Hell?

No les platicaré el final porque me gustaría que ustedes mismos disfrutarán de esta película que mantiene un excelente ritmo desde el inicio hasta el final. La actuación de Rory Calhoun es maravillosa, se mantiene entre causar simpatía y al mismo tiempo generar temor. Motel Hell es una excelente opción de cine B que contiene de todo: horror, comedia, romance, intriga, suspenso, sexo. La recomiendo ampliamente.

Hardware (Richard Stanley, 1990)

Mi gusto por el cine nació hace muchos años cuando mi padre me llevaba a rentar películas en formato Beta y pasábamos horas eligiendo una. Con el tiempo, formé un cuerpo completo definido de ideas relacionadas con el cine y sus diferentes géneros, así que, puedo admitir que siento un profundo amor y respeto por todas las películas, además de entenderlas y darles el valor que se merecen a pesar de ser basura. Cuando alguien se remite a un film como un clásico o ser una película de culto, se puede entender desde diversas perspectivas y al final quizás éstas no terminan de satisfacer la idea que podemos tener sobre una película que rompe los moldes establecidos y que realmente destaca de entre toda una generación o género. Es por ello, que algunas películas son incomprendidas en su época, pero generaciones posteriores entienden el impacto de dicho film. Esto sucede con Hardware, película dirigida por Richard Stanley durante la década de los noventas después del boom causado por James Cameron y The Terminator (1984) y previo a la secuela de la misma saga. 

Richard Stanley es un visionario director de películas y videos musicales, también ha sido guionista, productor y actor. Fields of the Nephilim es una de las bandas que gozó de haber sido dirigida por este director para la realización de sus videos musicales, de esta relación 'director-banda' se puede notar en el largometraje la influencia del género del rock en el director Richard Stanley, ya que en la película podemos encontrar iconos del rock como Iggy Pop que interpreta a un locutor de radio llamado Angry Bob; Lemmy Kilmister que hace un cameo interpretando a un taxista y Carl McCoy (vocalista de Fields of Nephilim) que aparece en la introducción de la película como un nómada de un mundo post-apocalíptico dedicado a vagar recolectando todo lo que encuentra a su paso. El estilo de vestimenta de este vocalista concuerda con la temática de la película y creo que no fue necesario vestir a su personaje ya que así como se ve en la película es tal como se le puede ver en conciertos.

Hardware es una película que destaca por sus impresionantes imágenes relacionadas a un mundo que ha sufrido de cambios que durante muchos años hemos imaginado y esperado, una destrucción total del mundo que conocemos y en el cual sólo pertenecen a sobrevivientes. La película narra la historia de una pareja que le ha tocado vivir en este mundo post apocalíptico; Moses (Dylan McDermott) ha vagado por mucho tiempo junto a su amigo Shades (John Lynch) recolectando chatarra, hasta que un día se encuentran a Carl McCoy que les vende una cabeza de robot que ha encontrado en el desierto. Moses ha decidido regresar con su pareja Jill (Stacey Travis) una mujer que vive encerrada en su domicilio y que se dedica a realizar esculturas con materiales que obtiene de chatarras. Moses le regala la cabeza de robot y Jill la fusiona con la escultura que ha estado haciendo con forma de robot. La cabeza cobra y le da vida al robot y tiene como única misión matar todo lo que se pone a su paso. Mientras transcurren los minutos, la película se vuelve floja y predecible, con actuaciones malísimas.

La película por momentos carece de tensión y argumentos que pudieran darle una buena base al guión de la película, sin embargo, toda la parte visual es un derroche de placer que le dan a la película el peso suficiente para convertirse en un film de culto dentro de su género. Se las recomiendo ampliamente si les gusta ver algo diferente y sin romperse el cerebro, además de que disfrutarán de rolas de Motörhead, Ministry, entre otras.

Saw 6 (Kevin Greutert,2009)

Los creadores de esta saga ya nos vienen dejando muy en claro que Saw va para largo y que mientras haya gente sedienta de esta saga, pues no habrá inconvenientes para que no se hagan mas. Saw 6 no tiene nada de bueno, absolutamente nada novedoso con respecto a la historia que en cada pelicula le dan un giro para enredar mas el espectador, pero que al final solo termina pareciendo ridiculo e incongruente. Desde los primeros diez minutos uno ya sabe en que acabara la pelicula y quienes moriran y quienes sobreviviran y seran los protagonista de la siguiente secuela. Lo mejor de esta parte y a diferencia de las anteriores son los efectos especiales, ya que a pesar de que las escenas de matanza son pocas en comparacion con las peliculas anteriores, en esta parte son varias muertes pero en pocas escenas pero mucho mas gore, realmente hacen que te tapes los ojos para no ver.

En fin, nada bueno con esta película. No pierdan el tiempo.

Gummo (Harmony Korine, 1997)

He visto Gummo y lo primero que debo decir es que me ha gustado y mucho. Aunque, había generado demasiadas expectativas sobre esta película y no me han satisfecho del todo, puedo admitir que es buena y cumple su objetivo. Ignoro totalmente cuál haya sido el objetivo de Harmony (director) al rodar una película como Gummo, pero, sin duda que logró un magnífico film que te hará cuestionar sobre diversos temas que se exponen en la película. Existen varias razones para que veas este film; en primer lugar, el director Harmony Korine ya es una razón de peso ya que este director fue el escritor de Kids. Si te gustan las películas crudas y con una temática más real, Gummo es para ti porque aquí el director aborda toda 'problemática' actual que pueda aparecer en tu mente. Vamos, piensa en algo, ¿qué se te ocurre? Te diré sólo algunos ejemplos: Drogadicción, Abuso sexual, Racismo, Enfermedades mentales, Prostitución y violencia contra los animales, entre otros. Una fuerte crítica a la sociedad a través de actores que interpretan sus papeles de la manera más natural que te hace pensar que realmente han nacido para ello y desde la perspectiva de un director que no teme agredir al espectador.

La película fue rodada en un formato que podría incomodar al espectador que está acostumbrado a ver películas con estilo más Hollywood, sin embargo, cada escena y cada minuto de Gummo se convierte en un clásico. Otra razón importante para ver este film y de los que más llamó mi atención ha sido el soundtrack, en donde podrán encontrar varias bandas importantes como Burzum, Mortician, Absu, Brujería, Bathory, Mystifier, Madonna y muchos más. No te pierdas esta película sorprendente.

Snuff: A Documentary About Killing On Camera (Paul Von Stoetzel)

Este documental está dividido en cinco capítulos y un epílogo. Básicamente, el objetivo de este documental es encontrar la verdad, ¿existe o no el cine Snuff? Antes de responder o hallar una respuesta a tan difícil pregunta, Paul Von Stoetzel (director) nos muestra qué es el Snuff a través de algunas concepciones que ya se han manejado y también la opinión de algunos expertos, investigadores del FBI, cineastas y hasta un cinéfilo que ha preferido no decir su nombre. Se detalla como a finales de los setentas, se inició una protesta sobre el famoso film demoninado 'Snuff' y las reacciones de la gente ante las películas que mostraban una relación entre el hard core y la violencia. La línea entre el cine pornográfico y el mítico cine Snuff era, es y seguirá siendo casi invisible. Sin embargo, en los siguientes capítulos, el director y los demás responsables de la película que opinan al respecto amplian todo lo relacionado con el Snuff, la cultura que lo ha rodeado y como de manera involuntaria todos en algún momento hemos creado o pegado un ladrillo más a este mito.

Debo admitir que las películas que más me han resultado grotescas son las italianas. Y es precisamente en el segundo capítulo de este documental donde se habla sobre la famosa película que aunque uno no la haya visto sabe de su existencia, Holocausto Caníbal, película que invoca y sugiere que creamos que lo que vemos es real. No ha sido la única película italiana que maneja tal temática de hacer parecer reales las escenas de violencia, Saló es otra que también invita al espectador a sorprenderse con escenas de mutilación. A pesar de que a Saló quizás está a la par o tiene más mitos que Holocausto Caníbal, no es tomada como punto de referencia para el documental ya que el director prefiere utilizar otro film más explícito y que aseguro tiene muchos fans en el mundo, me refiero a la saga de Guinea Pig. Tanto Snuff (1976), Holocausto Caníbal y Guinea Pig son películas con efectos especiales realizadas para ese público que está ávido de presenciar violencia, pero todos sabemos que lo que vemos no es real y esa condición es la que mantiene a ese público dentro de una cierta categoría que es aceptada.

Para que una película sea considerada Snuff debe ser creada para entretener mediante la realización de un asesinato, filmarlo mientras se lleva a cabo y venderlo, es por eso que algunos aseguran que el cine Snuff no existe porque hasta la fecha no se ha comprobado que una película haya sido hecha con el propósito de comercializar un asesinato, con el mero objetivo de 'entretener'. Las personas prefieren ver una película romántica, comedia o drama que despierte sentimientos nobles o 'sanos', pocos son los que se atreven a ver un film donde se tortura y desmiembra a una persona. Quizás de aquí parte el mito del cine Snuff, de alimentar ese morbo de las personas por saber si en verdad se le matará a esa persona que ven su pantalla, pero insisto, expertos afirman que no existe película en el planeta que haya sido concebida para entretener mediante la filmación de un asesinato, ¿realmente será cierto?

En líneas anteriores, mencioné que todos en algún momento hemos contribuido a que este mito se haga más palpable y deje de ser una simple leyenda urbana, ¿por qué? porque la mayoría de nosotros hemos sido participes de un evento violento, de manera involuntaria y aunque no deseamos verlo, el morbo nos gana y cuando nos damos cuenta ya estamos viendo una escena de alguna ejecución en el Medio Oriente, o algún video de algún atropellado. En el documental hay un capítulo que enfatiza la relación entre el cine Snuff y la guerra; se muestran escenas de guerras pasadas y de la más actual que sucedió en el 2003, con la invasión de los soldados a Iraq y aunque esto no es nuevo, es decir, el hecho de que algunos soldados norteamericanos se grababan mientras mataban a civiles, sí se enfatiza el acto voluntario de burlarse y gozar una situación violenta mientras se filmaban. Quizás, nunca pasó por sus mentes comercializar dichos videos, pero, el deseo de aniquilar vidas humanas y disfrutar mientras se hace ¿no es parte del cine Snuff?

Faces of Death también es un ejemplo claro de crear películas para alimentar la sed de morbo que tienen algunas personas para ver escenas reales de personas que están a punto de morir o que de plano ya están muertas. Aunque los productores de este tipo de películas no son responsables de las muertes que presentan en sus films, sí son responsables de alimentar la perturbación del espectador y que desafortunadamente estas películas lleguen a las personas que tienen tendencias a cometer algún acto ilícito. Aunque no es un absoluto, puede existir la posibilidad de que una película como Faces of Death pueda provocar agresividad en el espectador, o quizás, romper esa barrera que puede tener una persona para no corromper la vida de otros. En el documental, algunos investigadores que han trabajado para el FBI han sido testigos de casos en donde los asesinos han grabado sus actos violentos, pero, aún siguen negando la existencia de películas Snuff ya que éstas no fueron creadas para ser comercializadas sino por mera satisfacción propia.

Un capítulo importante en el documental es la relación entre el cine Snuff y los asesinos seriales, tomando como referencia a Henry Lee Lucas que tuvo su apogeo de asesinatos a finales de los 70's, misma época en que la película Snuff (Michael&Roberta Findlay,1976) despertaba el interés del público por asegurar que era la película más sangrienta que se había hecho. Todo este ambiente creó un ambiente bastante prolífico para el cine con temática violenta y sangrienta, de hecho, algunos aseguran que todo este mito del cine Snuff fue creado para incrementar las ventas del cine de terror, específicamente el género Gore.

El productor ejecutivo de este documental es Mark L. Rosen y él es una pieza clave de los testimonios y opiniones que se presentan en este película para desmitificar al cine Snuff. Esta persona expresa algunas experiencias que realmente son impactantes y asegura que el cine Snuff sí existe, a pesar de lo que el FBI se ha preocupado por negar tanto tiempo. Mark L. Rosen es una pieza clave para reflexionar sobre el cine Snuff y su impacto en la sociedad. El documental tiene escenas muy fuertes, demasiado explícitas para el espectador, sin embargo, lo más fuerte son las opiniones que ahí se presentan.

Trailer SNUFF: a documentary about killing on camera

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La Strada (Federico Fellini)

Cover of La Strada - Criterion Collection

Debo admitir que a partir de estos momentos, las siguientes palabras serán el resultado de una intensa búsqueda de adjetivos y palabras correctamente bellas que puedan precisar y describir el arte de Fellini. Honestamente, no me había permitido conocer el cine creado por Fellini, y aunque una película significa nada en comparación con lo mucho que puede dejar toda la filmografía de Fellini, creo que ha sido suficiente para enamorarme prematuramente de este director.

La Strada (1954) es protagonizado por Anthony Quinn y Giulietta Massina (esposa de Fellini). Giulietta da vida a un personaje que resulta agridulce para el espectador, Gelsomina, quien es una joven que proviene de una familia -pobre como muchas- que a cambio de dinero es entregada a Zampanó, un hombre que se autoproclama ser un artista ambulante. Sin embargo, no era la primera vez que esta familia pobre entregaba a una de sus hijas a cambio de dinero a Zampanó, de hecho, Gelsomina fue objeto de sustituir a su hermana Rosa que anteriormente había pasado por la misma situación que Gelsomina. Inocente, ingenua y optimista ante un presente incierto, Gelsomina acepta pasar el resto de sus días junto a Zampanó, un hombre que está acostumbrado a tratar a las personas como animales de circo. Aunque Gelsomina tiene la oportunidad de cambiar su presente y abandonar a Zampanó, ella permanece a su lado, ¿qué es lo que motiva a Gelsomina a continuar leal a Zampanó?

La Strada es una película inolvidable en su totalidad, empezando por los personajes que son parte fundamental de este film. Por una parte, se encuentra Zampanó quien es interpretado por Anthony Quinn, un personaje símbolo de rudeza y crueldad y que puede generar el descontento de cualquier persona, pero, aún así puede despertar en el espectador un sentimiento de condescendencia. Y por el otro lado, se encuentra Gelsomina interpretada por la esposa de Fellini y que al igual que Zampanó, genera mil emociones de impotencia. Cualquier desearía que las cosas fueran de determinada manera pero no es así y uno debe aceptarlas, así como lo hace Gelsomina en La Strada. Está de más decir que existen numerosos motivos para no perderse esta película, es toda una experiencia de vida que si cae en los ojos correctos del espectador idóneo, quizás pueda dar una perspectiva diferente a la vida.

La Strada(The Road:1954) Ending Scene

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The Fall (Tarsem Singh)

The Fall ó El sueño de Alexandría es un film del 2006 que narra la historia de una pequeña niña que se ha roto un brazo y debido a este accidente se encuentra internada en un hospital ubicado en Los Ángeles en la década de los 20's. Roy es un joven que trabaja como doble en películas de acción; ha sufrido un grave accidente que lo ha imposibilitado de caminar y ahora sólo está postrado en alguna cama del mismo hospital en el que también se encuentra Alexandría. Ambos se conocen y empiezan a desarrollar una amistad que al principio era por interés y que con el trancurso de los días, se convierte en un lazo inolvidable.

La amistad que mantienen Roy y Alexandría se va desarrollando a través de un cuento en el que se involucran los paisajes más hermosos que cualquier persona pudiese imaginar, personajes de la vida real que se transforman en héroes, enemigos que se convierten en villanos y las situaciones más asombrosas e increibles que alguien puede contar. Roy y Alexandría sufren las consecuencias de sus vidas; mientras que uno lucha por superar la muerte de su padre, el otro lucha por superar la posible pérdida de un amor y de su propia vida. Todos estos sentimientos y emociones se van mezclando y se convierten en los ingredientes del cuento que Roy le narra poco a poco a la pequeña. De ellos depende que el cuento tenga un final feliz, pero ambos se ven afectados por las tragedias que ensombrecen sus vidas, ¿serán lo suficientemente valientes para darle un final feliz?

The Fall es una película dirigida por Tarsem Singh que anteriormente ya había dejado en claro su estilo con 'The Cell'. Tarsem perfecciona su estilo para dirigir esta bella película que se convierte en todo un derroche visual, una completa exageración de la más bella llena de paisajes cautivadores que fueron grabados en diferentes locaciones de nuestro planeta. Una serie de imágenes que invadirán tu mente y que seguramente se quedarán grabadas un buen rato. Esta película fue producida por David Fincher y Spike Jonze y sabiendo que estos directores estuvieron detrás de la producción creo que uno puede tener fe en que están frente a una película magistral. Se rumora que la película no tiene efectos, que lo que se ve es lo que es, sin embargo, los hay. Tarsem utiliza algunas técnicas como el Stop Motion y Bullet Time, todo lo demás es auténtico y al parecer no pasaron por la computadora ni por las famosas Pantallas Azules o Verdes que usan algunos directores o fotógrafos.

Otro punto importante que hace que la película valga la pena verla es las actuaciones. Hay una en especial que sobresale de todas: Cantica Untaru que interpreta y le da vida a Alexandria. No sé qué hubo detrás de cámaras mientras filmaban a esta niña, pero créanme que es de las mejores actuaciones infantiles que he visto. Cantica logra un personaje tan real como lo es una niña de esa edad, realmente transmite la inocencia que posee un niño que aún cree en cuentos y en seres de fantasía -O sea, nada de Dakota Fanning simulando argumentos racionales existenciales y esas ondas adultas. Los demás actores también proyectan naturalidad pero no son tan sobresalientes como la protagonista de la película.

Sin embargo, y tristemente, Tarsem deja a un lado el soporte de una buena historia para dar todo por una película que es básicamente puras escenas bellas, es un deleite para la púpila pero no siembra ese amor que se puede sentir por algunas películas que nos atrapan con una historia inolvidable. Quizás, esa fue la única desventaja de esta maravillosa película. Por todo lo demás,

The Fall es una película que te dejará con la boca abierta por la gran cantidad de maravillas visuales, por la naturalidad de sus personajes y que seguramente hará reflexionar a aquellas personas que aman al cine por lo que es y por lo que puede llegar a significar en la vida de cada persona. Al final, hay un pequeño tributo a los orígenes del cine, en especial del género de Acción y de cuantas personas quizás han pasado desapercibidas interpretando a los dobles de los héroes de esas películas clásicas. No hay que perderle la huella a este director porque seguramente está por hacer mejores películas.

Control (Anton Corbijn)

Control es una de esas tantas películas que se han filmado para hacer honor a la historia de bandas famosas que han dejado huella en la historia de la música. Control es dirigida por Anton Corbijn, un famoso y renombrado director de videos musicales que ha desarrollado su carrera desde los años setentas. Ha dirigido casi todos los videos de Depeche Mode, también de otras bandas como Front 242, U2, Coldplay, At the drive in, entre otras bandas de igual importancia.

Para ver o entender y disfrutar al mismo tiempo esta película, es necesario que conozcamos un poco sobre la vida de Ian Curtis, que es sobre este personaje central que se desarrolla la película. Ian Curtis fue vocalista de Joy Division, una banda que Post Punk que surgió a finales de los setentas, y que desafortunadamente tuvieron una corta carrera musical, pero también afortunadamente porque si Joy Division hubiera continuado con muchos años de trayectoria, quizás hoy no serían ni representarían lo que es Joy Division para sus seguidores y para la música en general.

En ciertas ocasiones, es mejor morir joven y convertirse en una leyenda, saltar y apoderarse de la inmortalidad en un acto suicida es algo que podemos hacer todos, pero, ¿realmente estás dispuesto a convertirte en una leyenda sacrificando tu propia vida?

Obviamente, Ian Curtis no sacrificó su vida para convertirse en una leyenda. Él tuvo otros motivos para dar fin a su existencia y es sobre estas razones y todo lo que hubo detrás de ellas es lo que pueden encontrar en esta película. Un aspecto importante de esta película son las actuaciones que llegan a convertirse en seres planos, inexpresivos, vacíos, carentes de emociones positivas y esto es lo más cool de la película, porque Anton Corbijn logra transmitir lo que en verdad fue la vida de Ian Curtis y todo lo que lo rodeaba. La película es lenta, pero esta lentitud es precisamente lo que creo se buscaba transmitir al espectador.

Control es una película magnífica que puede ser del agrado de cualquier persona que disfruta del cine y de la música; en ella podrán encontrar una dirección impecable de Anton Corbijn que convivió con esta banda y fue testigo de lo que representaba Joy Division en aquella época. Además, podrán disfrutar de las canciones más importantes de la banda, todo esto con escenas en blanco y negro llenas de vacíos emocionales que acompañaron la vida de Ian Curtis.

Terminator Salvation

Grata sorpresa me llevé con esta nueva película de la clásica saga de Terminator. En verdad, es lo mejor que he visto en el cine en lo que va del año. Terminator Salvation es una mezcla de todo los elementos que conocemos de esta saga, acompañada de magníficos efectos especiales, secuencias de acción impresionantes, muchas sorpresas. En ese aspecto de los efectos especiales, el ambiente, el manejo de la iluminación es hasta cierto punto impecable, no hay muchos errores técnicos.

Sin embargo, los actores son los que quizás podrían restarle un poco de mérito a la película, empezando por John Connor que es interpretado por Christian Bale y que realmente se nota que le está costando salir del estilo propio que lo ha definido y colocado como un actor, en esta película su actuación se destaca al inicio de la película, pero en los minutos restantes se opaca totalmente. Y no es la primera vez que ésto sucede, en que Christian Bale pasa a segundo plano, lo mismo sucedió en 'The Dark Knight'.

Por otra parte, los personajes secundarios se lucen de una manera sorprendente, tal es el caso de Sam Worthington que se avienta unas secuencias de acción y peleas muy buenas, su personaje está a la altura de la película y tiene todo el perfil para ser un nuevo icono de acción. Anton Yelchin que interpreta a Kyle Reese (papá de Connor) también tuvo una presencia muy importante en la película y le quedan muy bien los papeles de acción. Este joven bien pudo haber sido el protagonista de Transformers porque tiene un estilo más creíble y tiene un toque muy fresco pero al mismo tiempo salvaje y que puede estar a la altura de cualquier personaje de acción. Hubo muchos personajes que salen sobrando como, Elena Bonham Carter que se veía muy forzada su actuación, de plano no le van estas películas.

El punto es, Terminator Salvation es junto con Terminator 2 lo mejor que se ha hecho de esta saga dentro del género de acción y sci-fi. Una película altamente recomendable que cumple el objetivo de entretener y sorprender. No se la pierdan.

Häxan (Benjamin Christensen)

No sé si antes de 1922 se hayan hecho las bases de los documentales, pero sin temor a equivocarme creo que Häxan es una de los primeras películas en este género. Häxan es un film que básicamente narra la historia de las brujas y con mayor detenimiento sobre las mujeres y lo locas que podemos llegar a ser.

Está dividida en siete capítulos; el primer capítulo describe la percepción que tenían algunas culturas sobre nuestro universo y los elementos a los que les atribuían una fuerza maligna. Christensen (director y narrador) va mostrando diferentes pinturas donde aparecen imágenes de demonios y brujas y la relación que mantenían, para dicha explicación utiliza algunos lienzos de Lacroix y me pareció ver algo de Hyeronimus. Después de presentar una breve introducción histórica sobre la percepción que ha mantenido y evolucionado el mundo sobre las brujas, se dirige a la época medieval y es aquí en este momento histórico en que el director desarrolla su película con fundamentos históricos pero al mismo tiempo con dramatizaciones hilarantes.

Los capítulos restantes aparecen aquelarres, monjes, monjas y obviamente el centro de atención: las brujas. La película es una joya con respecto a la ambientación, logra una iluminación nocturna perfecta y principalmente, la caracterización del diablo es fantástica. Es perfecta para presentarla en un salón de clases por motivos de persecución en la época medieval, es muy clara y entretenida. En el último capítulo, el director concluye que las fuerzas del mal persistente a pesar de los siglos y van contextualizándose, por ejemplo, hace una comparación entre lo que hacían las brujas en la época medieval a lo que ahora hacen las mujeres que leen el tarot y demás supersiticiones o los métodos de tortura que empleaban en aquella época para liberar a las personas del demonio y lo que hasta hace algunas décadas se hacían en los psiquiátricos con los enfermos mentales. Obviamente, el director manifiesta una fuerte influencia freudiana porque la película es de 1922 y utiliza a la Histeria como explicación y quizás una respuesta al comportamiento de las brujas.