The Last House on the Left (1972)

Estados Unidos, 70's. Mari es una chica alegre que vive con sus padres y está  por salir a festejar su cumpleaños número diecisiete junto a su amiga Phyllis. Ambas chicas deciden ir a ver a una banda llamada Bloodlust, pero en el camino se detienen para comprar algo de droga y pasarla mucho mejor. Sin saber nada, las chicas preguntan a un chico que se encuentra parado afuera de una casa si tiene algo de hierba, el chico las invita a pasar y ya adentro, las chicas se dan cuentan que su diversión ha acabado. En manos de tres despiadados hombres y una mujer con apariencia de animal, las chicas serán sometidas a todo tipo de vejaciones durante las próximas horas. Después de que éstas personas han saciado sus placeres más obscuros y criminales, hacen una visita en la última casa de la izquierda, misma casa en la que habitan los padres de Mari y es en dentro de esta casa donde comienza la verdadera violencia.

Wes Craven

The Last House on the Left es una película que te gusta ó te desagrada, pero de cualquiera manera te impactará. Dirigida por el distinguido Wes Craven, director de mucho peso en el cine que ha dejado su huella a través de los años con títulos como 'The Hills Have Eyes', 'The Serpent and the Rainbow', la ya famosa 'A Nightmare on Elm Street', y 'Scream' película que en los noventas le dio una perspectiva diferente al cine Slasher despertando la atención de las nuevas generaciones, pero, The Last House on the Left  -primer largometraje que dirigió Craven en 1972, producido por Sean S. Cunningham que ocho años más tarde dirigió otro clásico del cine Slasher, Friday The 13th- podría ser la películas más importante en la carrera de Wes Craven por diferentes razones. En primer lugar, y muy  a pesar de las continuas fallas técnicas, la descuidada dirección, el mal uso de las locaciones, las mediocres actuaciones, el limitado contenido del guión y una larga lista de errores que podría seguir mencionado, esta película tiene una fuerza abismal e impresionante que te atrapa, simplemente no puedes dejar de verla hasta que finaliza. 

Escena de 'The Last House on the Left'

A pesar de que es una malísima película que se ha convertido de culto, Wes Craven logra transmitir un mensaje importante sobre cómo afecta la violencia a diferentes sectores de la sociedad sin importar clase, género, credo, etcétera y de cómo tu mente puede llevarte a extremos para violentar al que te ha violentado. The Last House on the Left es una película clave para entender los inicios de este genero de cine y la evolución hasta la actualidad, en donde las películas actuales no alcanzan los parámetros que estableció esta película hace casi cuatro décadas. The Last House on the Left es una película perturbadora, si eres sensible te recomiendo que no la veas.

Se solicita editor para el Departamento Splatter.

Raramente se encuentran joyas en el genero gore o películas de serie B; hay películas que son terriblemente malas, pero tan malas que llegan a fascinar y hay otras como en el caso de Evil Ed que realmente vale la pena disfrutar si eres fan de este tipo de películas.

La historia de la película transcurre en una empresa donde aparentemente editan películas, por lo que existen varias secciones en donde se editan por géneros de cine, así que la película inicia con una secuencia en donde un editor gore se encuentra en completo caos y acaba con su vida por razones desconocidas hasta el momento. Edward es un hombre tranquilo, metódico y sano que también es editor de algún genero de cine tipo dramático y es llamado para cubrir la vacante del editor gore que falleció. El cambio de departamento que sufre Edward es totalmente radical, sin embargo, el jefe del departamento Splatter (Gore) le pide a Edward que trabaje en una casa editando películas para los clientes más exigentes que piden situaciones realmente ridículas. Edward que jamás había visto películas gore queda asombrado de las escenas que contienen dichas películas y en vez de editar lo que le pidió su jefe hace todo lo contrario quitando las escenas gore. 

Además de Edward, existen otros personas que trabajan en la misma empresa y que se van relacionando con Edward durante el desarrollo de la historia, entre ellos se encuentra un Nick y su novia Mel; Nick es un joven que se encarga de llevarle los rollos de los negativos de las películas a Edward para que los edite y aunque al principio de la película su actuación no tiene mucha relevancia, al final tiene un papel importante. A medida que avanza la historia, podemos observar que Edward va sufriendo una transformación como consecuencia de editar películas gore, por lo que comienza a tener alucinaciones y su vida da un giro de 360 grados. Se convierte en un tipo desordenado, violento, sarcástico y comienza por imitar algunas frases violentas que escucha de las películas que ha editado. Un día llega su jefe a la casa de Edward para revisar el trabajo y se percata que ha quitado todas las escenas gore, entonces lo regaña y Edward lo mata, lo corta en pedazos y lo tira a la basura. Después, asesina a más personas en un hospital y al final...pues bueno, no les diré el final.

Evil Ed es una película de origen sueco que fue dirigida por Anders Jacobsson en 1995, este director ha realizado pocas películas y al parecer en el 2009 presentó su película más reciente llamada 'Insane'. Anders dirigió esta película estupenda, realmente entretenida y con muchas escenas de humor, por lo que la película es una mezcla de horror-comedia-gore. Lo interesante de Evil Ed es que a pesar de ser una película con muy bajo presupuesto, contiene un guión interesante que por momento se pone un poco flojo pero después arremete al espectador con buenas escenas gore. Las actuaciones de la mayoría de los personajes son pésimas a excepción del actor que interpreta a Edward que realmente muestra una considerable capacidad actoral a pesar del tipo de película. La iluminación de la película puede resultar aburrida, sin embargo, tiene buenos ángulos y algunas escenas son muy buenas. Los efectos de sonido están muy cordinados con la películas y al inicio se puede remitir a Hellraiser. Como conclusión, si les gusta este tipo de cine, si realmente lo disfrutan, entonces deberán ver esta joya y no se la pierdan.

Pueden verla completa y con subtítulos en Youtube. Disfrútenla!

The Hills Run Red (David Parker, 2009)

The Hills Run Red (2009) dirigida por David Parker y estelarizada por varios actores prácticamente desconocidos a excepción de Sophie Monk y William Sadler que ha tenido una larga trayectoria como actor de películas pero más en series de televisión.

Esta película realmente es patética, o sea, en verdad se esforzaron por hacer un pésimo trabajo, ni siquiera los realizadores se tomaron la molestia de hacer una película que tuviera algo diferente de las miles de películas dentro del género de horror que ya existen. La historia es sencilla: Tyler es un joven que está muy interesado en una misteriosa película de la que desde su proyección décadas atrás, fue eliminada cualquier copia ya que el contenido era muy ofensivo para las personas. La curiosidad de Tyler por saber que sucedía con esta película lo lleva a realizar un documental para indagar al respecto y encontrar una copia de esta película y así por fin verla y saciar ese morbo que lo alimenta. Tyler tiene una novia que últimamente se ha sentido alejada de su novio ya que le dedica más tiempo a su investigación-documental, por lo que la novia de Tyler encuentra consuelo con su mejor amigo. Un día, Tyler decide empezar su documental y acude a un bar en donde trabaja la hija del director de la película. Clásicas escenas de sexo que nunca deben faltar en películas de este género es lo que encontraremos para darle sazón a la historia de tres pesos, en donde Tyler se folla a Alexa (hija del director) y la involucra para que lo lleve hasta el bosque donde se filmó la película.

Alexa -según- es una stripper drogadicta, por lo que Tyler decide ayudarla en su desintoxicación que lleva a cabo en un motel durante algunos días y que por milagro divino Alexa deja la heroína, el crack y no sé cuántas drogas más. Obviamente, Tyler lo hace para que Alexa se encuentre más lúcida y así pueda darle datos más precisos sobre el paradero de la misteriosa película. Tyler junto con Alexa, novia y amigo toman sus maletas y emprenden el viaje hacia el bosque donde transcurrió la filmación de 'The Hills Run Red', cuando llegan al bosque se encuentran con algunos de las armas que usaron en la película, por lo que Alexa revive recuerdos de su infancia cuando su padre realizaba las escenas. Con todo esto, Alexa siempre mantiene un perfil de víctima que ha superado el trauma infantil de haber sido testigo de las atrocidades que cometió su padre en la película.

En la primera media hora de la película, esta mantiene un buen ritmo, buenas locaciones y los 'flashback' que tiene Alexa para remontarse a su infancia nos muestran las únicas escenas de la misteriosa película. Sin embargo, el film va perdiendo ese ritmo de los primeros minutos porque se empiezan a notar algunos elementos que ya hemos visto en otras películas como el clásico asesino con machete en mano que lleva una máscara y que no emite palabra alguna. Las mismas características de Jason (Viernes 13) pero con nombre de estrella pop 'BabyFace', imitando a LeatherFace (Masacre de Texas). 

La masacre de la película comienza y aunque la película pudo resultar entretenida con escenas medianamente sangrientas, pues el director decidió que podía darle un plus a la película con un giro a la historia que lejos de impactar resultó confuso porque está lleno de incongruencias. Así que la película se convierte en un desastre total y con un final terrible, realmente malo. Si quieren ver las tetas de Sophie Monk, pues esta película es una buena opción para hacerse una paja y así no perder el tiempo con este film patético, aburrido e incongruente.

Snuff: A Documentary About Killing On Camera (Paul Von Stoetzel)

Este documental está dividido en cinco capítulos y un epílogo. Básicamente, el objetivo de este documental es encontrar la verdad, ¿existe o no el cine Snuff? Antes de responder o hallar una respuesta a tan difícil pregunta, Paul Von Stoetzel (director) nos muestra qué es el Snuff a través de algunas concepciones que ya se han manejado y también la opinión de algunos expertos, investigadores del FBI, cineastas y hasta un cinéfilo que ha preferido no decir su nombre. Se detalla como a finales de los setentas, se inició una protesta sobre el famoso film demoninado 'Snuff' y las reacciones de la gente ante las películas que mostraban una relación entre el hard core y la violencia. La línea entre el cine pornográfico y el mítico cine Snuff era, es y seguirá siendo casi invisible. Sin embargo, en los siguientes capítulos, el director y los demás responsables de la película que opinan al respecto amplian todo lo relacionado con el Snuff, la cultura que lo ha rodeado y como de manera involuntaria todos en algún momento hemos creado o pegado un ladrillo más a este mito.

Debo admitir que las películas que más me han resultado grotescas son las italianas. Y es precisamente en el segundo capítulo de este documental donde se habla sobre la famosa película que aunque uno no la haya visto sabe de su existencia, Holocausto Caníbal, película que invoca y sugiere que creamos que lo que vemos es real. No ha sido la única película italiana que maneja tal temática de hacer parecer reales las escenas de violencia, Saló es otra que también invita al espectador a sorprenderse con escenas de mutilación. A pesar de que a Saló quizás está a la par o tiene más mitos que Holocausto Caníbal, no es tomada como punto de referencia para el documental ya que el director prefiere utilizar otro film más explícito y que aseguro tiene muchos fans en el mundo, me refiero a la saga de Guinea Pig. Tanto Snuff (1976), Holocausto Caníbal y Guinea Pig son películas con efectos especiales realizadas para ese público que está ávido de presenciar violencia, pero todos sabemos que lo que vemos no es real y esa condición es la que mantiene a ese público dentro de una cierta categoría que es aceptada.

Para que una película sea considerada Snuff debe ser creada para entretener mediante la realización de un asesinato, filmarlo mientras se lleva a cabo y venderlo, es por eso que algunos aseguran que el cine Snuff no existe porque hasta la fecha no se ha comprobado que una película haya sido hecha con el propósito de comercializar un asesinato, con el mero objetivo de 'entretener'. Las personas prefieren ver una película romántica, comedia o drama que despierte sentimientos nobles o 'sanos', pocos son los que se atreven a ver un film donde se tortura y desmiembra a una persona. Quizás de aquí parte el mito del cine Snuff, de alimentar ese morbo de las personas por saber si en verdad se le matará a esa persona que ven su pantalla, pero insisto, expertos afirman que no existe película en el planeta que haya sido concebida para entretener mediante la filmación de un asesinato, ¿realmente será cierto?

En líneas anteriores, mencioné que todos en algún momento hemos contribuido a que este mito se haga más palpable y deje de ser una simple leyenda urbana, ¿por qué? porque la mayoría de nosotros hemos sido participes de un evento violento, de manera involuntaria y aunque no deseamos verlo, el morbo nos gana y cuando nos damos cuenta ya estamos viendo una escena de alguna ejecución en el Medio Oriente, o algún video de algún atropellado. En el documental hay un capítulo que enfatiza la relación entre el cine Snuff y la guerra; se muestran escenas de guerras pasadas y de la más actual que sucedió en el 2003, con la invasión de los soldados a Iraq y aunque esto no es nuevo, es decir, el hecho de que algunos soldados norteamericanos se grababan mientras mataban a civiles, sí se enfatiza el acto voluntario de burlarse y gozar una situación violenta mientras se filmaban. Quizás, nunca pasó por sus mentes comercializar dichos videos, pero, el deseo de aniquilar vidas humanas y disfrutar mientras se hace ¿no es parte del cine Snuff?

Faces of Death también es un ejemplo claro de crear películas para alimentar la sed de morbo que tienen algunas personas para ver escenas reales de personas que están a punto de morir o que de plano ya están muertas. Aunque los productores de este tipo de películas no son responsables de las muertes que presentan en sus films, sí son responsables de alimentar la perturbación del espectador y que desafortunadamente estas películas lleguen a las personas que tienen tendencias a cometer algún acto ilícito. Aunque no es un absoluto, puede existir la posibilidad de que una película como Faces of Death pueda provocar agresividad en el espectador, o quizás, romper esa barrera que puede tener una persona para no corromper la vida de otros. En el documental, algunos investigadores que han trabajado para el FBI han sido testigos de casos en donde los asesinos han grabado sus actos violentos, pero, aún siguen negando la existencia de películas Snuff ya que éstas no fueron creadas para ser comercializadas sino por mera satisfacción propia.

Un capítulo importante en el documental es la relación entre el cine Snuff y los asesinos seriales, tomando como referencia a Henry Lee Lucas que tuvo su apogeo de asesinatos a finales de los 70's, misma época en que la película Snuff (Michael&Roberta Findlay,1976) despertaba el interés del público por asegurar que era la película más sangrienta que se había hecho. Todo este ambiente creó un ambiente bastante prolífico para el cine con temática violenta y sangrienta, de hecho, algunos aseguran que todo este mito del cine Snuff fue creado para incrementar las ventas del cine de terror, específicamente el género Gore.

El productor ejecutivo de este documental es Mark L. Rosen y él es una pieza clave de los testimonios y opiniones que se presentan en este película para desmitificar al cine Snuff. Esta persona expresa algunas experiencias que realmente son impactantes y asegura que el cine Snuff sí existe, a pesar de lo que el FBI se ha preocupado por negar tanto tiempo. Mark L. Rosen es una pieza clave para reflexionar sobre el cine Snuff y su impacto en la sociedad. El documental tiene escenas muy fuertes, demasiado explícitas para el espectador, sin embargo, lo más fuerte son las opiniones que ahí se presentan.

Trailer SNUFF: a documentary about killing on camera

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Taxidermia (György Pálfi)

Taxidermia es la historia de tres generaciones de una familia que siempre ha estado envuelta de excentricidades. Morosgoványi es el primer personaje de Taxidermia: un soldado que utiliza todo lo esté a su alrededor para masturbarse furiosamente, hasta que un día lo asesinan porque lo encuentran dormido encima de un puerco destazado al que le había hecho el amor la noche anterior. Se supone que Morosgoványi es el padre del siguiente personaje de la segunda historia de la película; Kálmán Balatony, un hombre que nació con cola de puerco y que durante toda su vida se ha dedicado a entrenarse para ser el mejor competidor en concursos de comida hasta que conoce a una mujer que se dedica a lo mismo que él -ambos gordos- y un día se casan y tienen a un bebé en perfectas condiciones, rebozante de salud y que esta condición le genera cierto conflicto a Kálmán porque su hijo no es gordo como ellos.

La tercera y última parte de la película narra el fin de esta generación de hombres que siempre estuvieron en los límites del exceso. Lajos Balatony es un joven taxidermista que cuida a su padre ya que éste es un gordo que sólo vive para comer. Lajos no sólo cuida a su padre, sino también a sus gatos gordos que son entrenados por Kálmán para que algún día concursen igual que él. Lajos Balatony aparenta ser una persona normal en comparación con sus dos generaciones familiares que le preceden, hasta que un día decide ponerle fin a la generación de una manera muy peculiar.

Taxidermia es una película perfectamente filmada, con una fotografía muy definida y una visión del director que deja muy en claro que lo único que quiere lograr es abrumarte con escenas tan memorables como ver cagar a una paloma de una manera tan magistral. Técnicamente tiene algunas escenas gore y contenido sexual explícito. Taxidermia es un vómito de escena tras escena bien filmadas que hubieran logrado una perfecta comunión con el argumento mediocre de la película si estas escenas tuvieran sentido y congruencia. Gusten de verla si les late lo experimental o quieren ser seducidos por escenas grotescas bien filmadas.

Frank Henenlotter.

Me sumergí en el mundo de Henenlotter apenas hace unos días y tengo los sentimientos encontrados después de ver algunas de sus primeras películas. Aunque no tiene tantas películas en comparación con otros cineastas, basta decir que sus películas son medianamente aceptable dentro del género en el que se desarrollaron.


Frank, ¿dónde estás hermano?

A comienzos de los ochentas, Frank Henenlotter dirigió la primera parte de la trilogía ‘Basket Case’. Siempre he pensado que las primeras partes son siempre las mejores porque se puede percibir la verdadera esencia del trabajo. Las ideas de todo un grupo de personas que trabajan para entregar un producto fílmico siempre entregará el mejor la primera vez porque es ahí donde radica las verdaderas intenciones de un director, un actor, productor u otros. Las segundas, terceras, cuartas y hasta más de quintas partes siempre serán algo que no se podrá comparar con el primer trabajo que las precede. La primera parte de Basket Case es un trabajo pulcro dentro de lo bizarro, un trabajo bien hecho dentro de lo malintencionado o quizás producto de la experimentación de un director que sólo quería plasmar sus percepciones sobre la historia de dos hermanos siámeses que viven toda su vida bajo circunstancias trágicas.

Esta primera parte de la trilogía nos brinda una película ligera, aceptable en escenas de sangre dentro de los parámetros ‘digeribles’ del Horror -mis parámetros jojo-, la historia es tan sencilla como saber que uno más uno es igual a dos. Lo cool de Basket Case es que son películas relativamente cortas (90 minutos) y que mantiene un buen nivel de entretenimiento. Se mantiene en la línea de lo absurdo, horror, comedia y una pizca de Stop Motion como efectos especiales para movilizar y darle vida al deforme hermano que lleva Duane en una canasta.

¿Qué trágico sería nacer con un hermano deforme a un costado del cuerpo y llevarlo contigo a todos lados? ¿Y si un día te separan de él y ahora tienes que llevarlo contigo a todas partes en una canasta?

Ocho años después Henenlotter decide darle continuidad a esta trilogía pero ya no con el mismo entusiasmo que caracteriza a la primera parte. Aunque los efectos especiales y maquillaje están mejorados, la película es aburrida de principio a fin y no puede atraparte en ningún momento. En esta segunda parte, Henenlotter resalta e integra a otros personajes que pasan por la misma situación trágica de vivir siempre bajo la burla de los demás porque simplemente no encajan en lo ‘normal’ de la sociedad.

Esta parte es muy importante y creo es lo más rescatable de esta película: esas personas que son raras, que son feas, que no cumplen con los estandares de la belleza y que tienen que vivir marginados durante el transcurso de su vida debido a lo grotesco y aberrante que puede parecer ante los ojos de los demás. Pero, ¿qué pasaría si las cosas fuesen contrarias y en este mundo el concepto de bello radicara en lo feo y los bellos fueran feos? ¿quién sería el raro o el ‘freak’ ante la sociedad? Esta disyuntiva absurda y cómica es la que plantea Henenlotter en esta secuela de Basket Case.

Otro punto que se puede rescatar de esta segunda parte es el respeto o consideración que muestra Henenlotter con su propio trabajo, es decir, mantiene una congruencia entre los hechos de la primera parte y la segunda a pesar de casi diez años de diferencia en que se produjo cada una. Basket Case 2 inicia con el final de la primera parte y reinicia con este mejoramiento de los efectos especiales para darle vida al hermano malvado de Duane -protagonista- y Duane es el mismo actor de la primera película.

Sin embargo, Henenlotter se pierde en la historia de su propia película y pareciera que deja a un lado la historia de los hermanos y se enfoca más a recrear otros personajes, quizás para darle un poco más de solidez a la historia. Basta decir que los personajes lejos de causar shock u horror, generan risa porque sencillamente son cómicos, pero no tanto como aquellos personajes que aparecen en ‘Freaks’ (1932) y que obviamente es -o fue- una notoria influencia para que Henenlotter pudiera desarrollar la segunda parte de Basket Case. 

Un aspecto que rige desde la primera parte de Basket Case es la perseverancia por lograr la individualidad. Básicamente, la primera parte radica en que Duane -el hermano normal- quiere hacer su vida sin su hermano porque éste comienza a significar un estorbo para él. En la segunda parte, se repite este aspecto y es lo que rige la historia, Duane conoce a una mujer que lo comprende y por fin el hermano de Duane conoce a una ‘cosa’ que es similar a él y se enamoran. Pareciera que el amor brinda una solución y quizás un final feliz a la película…¿podría ser?



Después de que Basket Case 2 terminase con una escena candente entre Belial -el hermano deforme- y su novia y simultáneamente Duane se entera de que la chica de la cual se enamoró llevaba seis años embarazada de algo parecido a un famoso personaje que hiciera famoso Ridley Scott en los ochentas. Por segunda vez, Basket Case finaliza con una escena trágica y en 1992 de nuevo Henenlotter realiza, dirige, y hasta escribe la última parte de la trilogía. Basket Case: The Progeny supera a la segunda parte pero no a la primera. Sin embargo -y aunque no supere a la primera parte del todo- esta última parte tiene como aspecto rescatable lo ‘gore’, lo cómico es más experimentable que en la segunda parte y los efectos de las escenas gore están mejorados.

¿Qué tiene de nuevo la tercera parte? Pues obviamente y como el título lo dice, en esta última parte podremos encontrar a la prole de Belial y a otros freaks que se integran a la comunidad que en conjunto luchan por defender su apariencia y ya no ser marginados por los demás. Al parecer esta es la filosofía que maneja Henenlotter en la segunda y tercera parte de esta saga que consiste en hacer sentir a aquellas personas que son diferentes a los demás por diferentes causas (físicas, mentales, etc.) y que éstas puedan integrarse a una sociedad donde puedan sentirse aceptados por los demás. En esta última parte de Basket Case, Henenlotter aterriza un poco más esta situación de aquellas personas que son discriminadas por su apariencia pero de una manera cómica y le da la oportunidad al espectador de analizar aquellas situaciones en que existe el prejuicio o la discriminación -aunque sea de manera bizarra.

En resumen, la trilogía de Basket Case está dirigida para aquel público que disfruta del cine por el simple hecho de disfrutarlo. Es importante recalcar que es un film de serie B y que obviamente no tiene una dirección magistral ni mucho menos pondrá en dilemas existenciales al espectador. Si tuviera que recomendar esta trilogía lo haría con reservas y sólo la primera parte.